Tschabalala Self über Erbe, Identität und was es heute bedeutet und aussieht, ein praktizierender Künstler zu sein.
Eine schwarze Frau sitzt in ihrer eleganten, aufrechten Haltung und schenkt Ihnen keine Beachtung. Oder ihre Beine sind gespreizt, ein offenes Geheimnis. Oder sie ist gebückt, den Blick auf den Boden gerichtet, lässig und unbekümmert. Viele Gemälde der Künstlerin Tschabalala Self sind Charakterstudien dieser Art. Sie präsentiert uns Figuren voller Action; charismatisch, durchdrungen von ausgeprägten und farbenfrohen Persönlichkeiten, aber sie erfreuen weder unsere Blicke noch unsere Aufmerksamkeit. Wir stoßen auf sie. Das dürfen sie sein.
Selfs Arbeit kombiniert Farbe, Textilien und weggeworfene Materialien, die sie verwendet, um ihre eigene Sprache zu entwickeln, die die Positionen dieser Charaktere ansprechen und von ihnen aus sprechen kann. Als schwarze Künstlerin wird ihre Arbeit oft politisch interpretiert: Wie beziehen sich die Figuren in ihren Gemälden auf umfassendere Gespräche oder Kämpfe rund um Rasse, Geschlecht und Sexualität? Aber Repräsentation ist nur ein Aspekt der Arbeit. Ihre Kunst ist von einer komplexen Innerlichkeit durchzogen, die den Stereotypen widerspricht, die auf die Figuren projiziert werden, die sie malt oder modelliert.
Seit ihrem Abschluss in Yale im Jahr 2015 hat Self in zahlreichen Kunstinstitutionen in Europa, Asien und Amerika ausgestellt. In dieser gekürzten Version ihres langen Gesprächs mit Fact führt uns Self durch Fragen des Erbes, der Identität und was es heute bedeutet und aussieht, eine praktizierende Künstlerin zu sein.
Diese Funktion wurde ursprünglich in der H/W-Ausgabe 2023 von Fact veröffentlicht und kann hier gekauft werden.
Gazelle Mba: Was treibt Sie dazu, in schwierigen oder schwierigen Phasen Ihres Lebens Arbeit zu leisten?
Tschabalala Self: Ich kann an diesen Tagen immer noch arbeiten, weil es eine Übung ist. Es ähnelt anderen Gewohnheiten im Leben, sei es eine gute Ernährung, Bewegung oder eine bestimmte Art der Bewegung. Weil es eine Praxis ist, muss ich es für meine eigene Gesundheit ständig tun. Die Arbeit zu machen ist kathartisch und oft sehr heilsam.
GM: In einem anderen Interview haben Sie erklärt, dass Sie eine Trennung zwischen Ihrem inneren Selbst, Ihrem Privatleben und der Arbeit anstreben. Könnten Sie etwas über dieses Bedürfnis nach Trennung sprechen?
TS: Ich mag eine Trennung, weil ich einen Teil von mir für mich behalten möchte. Kunst zu machen und sie einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich zu machen, sind zwei verschiedene Dinge. Wenn Sie ein Künstler sind, können und werden Sie immer Kunst machen, unabhängig davon, wie andere Menschen damit umgehen. Kunst zu machen ist eigentlich eine ziemlich einsame Erfahrung. Wenn Sie anfangen, Ihre Arbeiten auszustellen, ist das ein ganz anderer Prozess. Ich denke, dass es wirklich gut ist, bei der Entstehung des Kunstwerks alles auf dem Tisch zu lassen. Aber weil es so politisch sein kann (in der Kunstwelt gibt es viele verschiedene Menschen mit ganz unterschiedlichen Absichten), glaube ich nicht, dass es immer so gut ist, sich selbst ganz außen vor zu lassen. In Bezug auf mein Privatleben und mein öffentliches Selbst und die Art und Weise, wie sie in meiner Arbeit dargestellt werden, ist alles fließender und durchlässiger. Der andere Grund, warum ich das tue, ist jedoch, dass ich der Meinung bin, dass man auch als Künstler einigermaßen objektiv sein sollte. Ich denke, Künstler sind letztendlich Informationsträger, die Ideen aus einem bestimmten Moment kanalisieren. Ich glaube an ein wenig Distanz beim Schaffen von Kunst, damit man sich dazu nutzen lässt, diese Ideen zu vermitteln. Ich denke auch, dass es hilfreich ist, Arbeiten zu machen, die nicht so sehr an Ihr Ego gebunden sind, sondern an Ihren Ideen, die aus realen Einflüssen stammen.
GM: Es scheint, als ob Sie durch die Trennung in Ihrer Arbeit Raum schaffen, um über Schwarzsein und Geschlecht als eine Idee nachzudenken, die nicht an Ihr eigenes Ego oder bestimmte Erfahrungen gebunden ist.
TS: Ich würde der Aussage zustimmen. Das war schon immer mein Problem bei einigen Kunstwerken, die sich mit Identitätspolitik befassen, denn wenn ich versuche, die Art und Weise zu kritisieren, wie jemand aufgrund seiner Vorstellung von seiner Identität behandelt wird, wird die Tatsache bestätigt, dass man sich von anderen Menschen unterscheidet . Auch hier denke ich, dass Objektivität wichtig ist, weil man nicht zugeben kann, dass diese Identitäten reale Aspekte Ihres gesamten Wesens sind. Es sind Dinge, die mehr und weniger an dir hängen, in deinem Inneren, oder? Und in den Fällen, in denen sie in Ihrem Inneren vorhanden sind, müssen Sie in der Lage sein, zu definieren, was das für sich selbst bedeutet, und nicht einfach dem nachgeben, was die Gesellschaft sagt, dass das bedeutet.
Bei meiner Arbeit geht es um meine Identität, aber viele Hunderte, Millionen andere Menschen teilen mein Schwarzsein, meine Weiblichkeit. Das sind Dinge, die für mich keine eindeutigen Identitäten sind, daher kann ich das nicht persönlich für Millionen von Menschen definieren. Ich kann darüber sprechen, was diese Identität für mich bedeutet hat, und ich möchte von einem Ort meiner Wahrheit aus darüber sprechen, ohne auf das zu reagieren, was die Gesellschaft als Ganzes sagt, dass Identität bedeutet. In meiner Arbeit verwende ich Tropen und Stereotypen, denn das sind Dinge, die ich als kulturelle Werkzeuge oder Marker betrachte, die ich visuell oder unterschwellig nutzen kann, wenn ich mich mit dem größeren Zeitgeist auseinandersetze. Letztendlich glaube ich, dass jede Identität, die man in der Gesellschaft hat, real ist, da sie sich auf das tägliche Leben auswirkt, aber ich habe das Gefühl, dass alle körperlichen Erfahrungen nur eine Facette von einem sind. Es gibt andere Aspekte, die nichts mit Ihrer körperlichen Erfahrung zu tun haben. Ich denke, dass Kunst wirklich beide Aspekte der Menschen ansprechen muss.
GM: Wenn Sie Ihr jüngeres Künstler-Ich kennenlernen könnten, was würden Sie ihr sagen?
TS: Ich würde ihr sagen, dass Ihre Kunstpraxis für Sie das Konsequentste in Ihrem ganzen Leben sein wird und dass Sie diese Gabe wirklich fördern sollten, da sie Ihnen hilft, alle Umstände zu überstehen. Es ist wie Ihr Geist – also behandeln Sie ihn auch so.
GM: Das erinnert mich an diesen Aufsatz von Giorgio Agamben, in dem er über die lateinischen Wurzeln des Wortes „Genie“ spricht, woher auch das Wort „Genie“ kommt – es bezog sich auf den Gott, der bei der Geburt zum Vormund eines jeden Menschen wird. Das Genie schenkte dem Einzelnen Geschenke, aber diese Geschenke sollten nicht gehortet, sondern geteilt werden. Dies bezieht sich auch auf den Praxisgedanken, der es ermöglicht, die Gabe für andere greifbar bzw. verfügbar zu machen. Ich denke, Praxis als Idee manifestiert sich in Ihrer Arbeit durch das Zusammenspiel von Alltag und Kunstschaffen. Nimm dein Weingut betreiben Serie zum Beispiel, könnten Sie darüber sprechen?
TS: Ich finde den Alltag faszinierend und außerdem beobachte ich Menschen. Ich bekomme so viele Informationen, wenn ich sehe, wie Menschen einfache Dinge tun, ihren Gesichtsausdruck, bestimmte Blick- oder Gangweisen oder Affekte beobachte. Da meine Arbeit ausschließlich figurativ ist, verbringe ich ziemlich viel Zeit mit solchen Dingen. Jede Interaktion mit einer anderen Person kann eine Idee hervorbringen, die ich als Gemälde, Kunstwerk oder Projekt bewahren möchte. Die Bodega ist so eine alltägliche Institution, in die Bodega zu gehen ist im Grunde genommen so, als würde man in den Laden an der Ecke gehen. Jeder hat in jeder Stadt, sogar in einer Kleinstadt, eine ähnliche Erfahrung gemacht, aber die New Yorker Bodega ist aus einer Reihe politischer und soziohistorischer Gründe ein ziemlich einzigartiger Ort. Es ist mir gelungen, nicht nur ein Werk über diese Erfahrung zu machen, sondern eine ganze Serie darüber.
GM: Viele Kritiker verorten Ihre Arbeit als aufstrebende schwarze urbane Zentren wie Harlem und New York im Allgemeinen, aber ich sehe auch viele Ähnlichkeiten zwischen Ihren Gemälden und der Arbeit afroamerikanischer Volkskünstler wie Clementine Hunter und Dean Butler. Sehen Sie Ihre Arbeit als eine Auseinandersetzung mit afroamerikanischer Folklore oder als eine Auseinandersetzung mit der pastoralen oder idyllischen Atmosphäre der Schwarzen?
TS: Das tue ich auf jeden Fall. Ich bin in Harlem aufgewachsen. Alle meine Geschwister, außer meinem ältesten Geschwister, wurden in New York geboren. Meine ganze Identität ist stark darin verwurzelt, dass ich in Harlem aufgewachsen bin, einem sehr schwarzen Viertel, einem Dorf innerhalb der Stadt. Es hat meine Sichtweise wirklich geprägt. Aber meine Familie stammt nicht aus New York. Meine Eltern sind in New Orleans aufgewachsen, einer viel kleineren Stadt in Louisiana. Die Großeltern meiner Eltern stammten aus Natchez, Mississippi, einer ländlichen Stadt im Süden. Und die Familie meines Vaters stammte aus dem ländlichen Louisiana, Orten namens Slaughter und Homer, die nördlich von New Orleans liegen. Das ist also auch ein großer Teil meiner Identität. Ich spreche immer noch gerne darüber, was es bedeutet, schwarzer Amerikaner zu sein, weil ich denke, dass dies in Amerika oder sogar innerhalb des schwarzen Amerikas nicht oft als Identität akzeptiert wird. Meine Familie ist schwarze Amerikanerin und das ist das Einzige, was wir wissen. Ich habe das Gefühl, dass der Süden wirklich mein Ursprung ist. Der amerikanische Süden ist kulturell und physisch ein ganz anderer Ort als der Norden und die Städte. Das Migrationsnarrativ ist auch ein wichtiger Aspekt der schwarzen amerikanischen Identität. Ich denke an den Süden als Louisiana und Mississippi. Dort hat meine Familie wirklich angefangen. Aber da ich selbst nicht dort aufgewachsen bin, ist mein Verständnis davon immer ein bisschen eine persönliche Fiktion, ich habe es mir immer eher eingebildet als zu wissen, was es wirklich ist. Manchmal kommt dieses Fantasy-Element in meine Arbeit ein.
GM: Wie soll Ihr Vermächtnis aussehen?
TS: Jemand, der aufrichtig und großzügig war. So viele Menschen sagen nicht die Wahrheit und das tut ihnen und anderen keinen Gefallen. Halbwahrheiten sind nicht wahr. Menschen wollen nicht wahrheitsgemäß über ihre Erfahrungen sprechen. Es ist wirklich wichtig, vor allem im künstlerischen Schaffen, es nicht anzuprangern. Ich denke auch, dass das etwas mit Großzügigkeit zu tun hat, einer Großzügigkeit des Geistes, wenn es darum geht, wirklich alles für die eigene Praxis zu geben.
WORTE: Gazelle Mba
Diese Funktion wurde ursprünglich in der H/W-Ausgabe 2023 von Fact veröffentlicht und kann hier gekauft werden.
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