Hier ist mein Versuch, den Kontext des Hollywood-Autorenstreiks in drei Sätzen zusammenzufassen. Erstens verpflichtete sich das Unterhaltungsgeschäft, das durch leichtes Geld in Schwung kam und durch die ungewöhnlichen Bedingungen der Covid-Ära ermutigt wurde, zu einer nicht nachhaltigen Expansion – dem großen Streaming-Experiment, bei dem jede große Marke ein eigenes Netflix haben würde.
Als sich dann herausstellte, dass dieses Wachstum nicht nachhaltig war, begannen die Studios und Streamer immer mehr aus ihren Autoren herauszupressen, mit längeren und weniger vorhersehbaren Arbeitszeiten und mit weniger langfristigen Belohnungen, auch wenn die Unternehmensklagen hoffentlich auf KI setzten bestimmte schriftstellerische Pflichten überflüssig machen.
Dieser Kontext lässt die Forderungen der Autoren vernünftig und gerecht erscheinen, bedeutet aber auch, dass die streikenden Autoren verlieren und gleichzeitig gewinnen könnten – indem sie Zugeständnisse bei Bezahlung und Arbeitszeiten erzwingen, als Auftakt zu einem größeren Rückgang, einem Zusammenbruch der Zahl der Drehbuchserien, die Hollywood produziert löscht.
Die Frage für diejenigen von uns, die Fernsehsendungen und Filme schauen und darüber schreiben, anstatt sie zu erschaffen, ist, was dieser Konflikt für die Kunst bedeutet, die all diese kommerziellen Auseinandersetzungen rechtfertigt.
Eine Erzählung sieht in dem Streik eine Gelegenheit, die allgemeine Entwicklung Hollywoods zu überdenken, insbesondere die Fixierung der Marvel-Ära auf Franchises, Neustarts und „vorverkaufte“ Geschichtenerzählungen, die verschiedentlich auf eine profitgierige Risikokapital-Denkweise zurückgeführt wird in Hollywood oder die Auswirkungen der Konsolidierung im Filmgeschäft. Vor diesem Hintergrund argumentiert der Monopolkritiker Matt Stoller, dass das Ziel der Streikenden darin bestehen sollte, Verbündete für große, strukturelle Veränderungen zu finden – die vertikal integrierten Konzerngiganten aufzubrechen, Produktion und Vertrieb wieder zu trennen und so die Alchemie des Ganzen zu vollbringen Mid-Budget-Film konkurrenzfähiger mit dem Superhelden-Sweatshop.
Eine etwas pessimistischere Analyse von Autoren wie Sonny Bunch und Jessa Crispin betont, dass sich die Unternehmensstrategie des Superhelden-Sweatshops entwickelt hat, weil sie dem Publikum das gibt, was es will. Die Leute kaufen Tickets für Comic-Filme und „Super Mario“, betont Bunch, nicht für „Air“ oder „The Last Duel“. Die Fankultur, die diese Projekte unterstützt, so argumentiert Crispin, scheint es oft vorzuziehen, dass ihre Autoren austauschbare Rädchen in einer Content-Maschine sind. Und selbst wenn der Streik eine Gelegenheit zum Umdenken darstellt, ist er wahrscheinlich kein Hebel, der das System als Ganzes verändern kann.
Ich persönlich würde es tun wie zu sehen, wie der Streik ein anderes Hollywood-System ins Leben ruft. Aber ich würde siedeln für eine Rückkehr zur Unterhaltungslandschaft, die vor etwa zehn Jahren existierte, vor dem Streaming-Boom – als die Nachteile der Ära der Spezialeffekt-Franchises im Kino teilweise durch das Aufkommen eines reichhaltigeren, tiefergehenden und ehrgeizigeren Fernsehens ausgeglichen wurden.
Der Eindruck meiner Zuschauer von dem, was seitdem passiert ist, ist, dass die Streaming-Erweiterung zunächst einen willkommenen Überschuss an Ambitionen für kleine Bildschirme lieferte, dann aber zunehmend das Gefühl hatte, dass das kreative Talent zu dünn gestreut wurde, es zu hart gearbeitet wurde oder beides.
Manchmal beginnen die Sendungen der Spitzenzeit des Fernsehens brillant, haben dann aber selbst in einer zweiten Staffel Mühe, ihre Dynamik aufrechtzuerhalten. (zum Beispiel „Westworld“ von HBO oder neuerdings „Yellowjackets“ von Showtime.) Manchmal wirken sie wie dünne Imitationen der Antiheldendramen des letzten Jahrzehnts. (Zum Beispiel „Ozark“ von Netflix.) Oder sie nehmen den Charakter eines Kinoerlebnisses an, aber etwas schlimmer – mit „too big to fail“-Franchises, die niemandem wirklich Spaß machen. („Obi-Wan Kenobi“, sagen wir, oder „Ringe der Macht“.) Oder sie verlangen zu viel von einem talentierten Showrunner, der immer mehr dafür bezahlt, eine Reihe von Inhalten zu liefern, anstatt sich auf eine einzige Geschichte zu konzentrieren. (Die Entwicklung von Taylor Sheridans „Yellowstone“ und seine enttäuschenden Nachfolgeserien füllen diese Rechnung.)
Theoretisch könnte das Streik- und Folgeszenario, das ich oben skizziert habe – bei dem die Autoren bessere Arbeitsbedingungen und höhere Löhne erreichen, aber dann die Gesamtzahl der Sendungsverträge sinkt, wenn Streaming-Plattformen zusammenbrechen oder fusionieren – auch eine Lösung für diese Ausbreitung bringen -dünnes Problem. Es könnte zu einer Welt führen, in der das Talent der Autoren besser entlohnt und konzentrierter wird, in der Showrunner nicht so viele Möglichkeiten haben, ein Imperium aufzubauen, die Shows, die sie machen, dafür aber besser geeignet sind. Offensichtlich ist dies nicht das Ergebnis, das sich die Gewerkschaft erhofft, denn es würde weniger Schreibjobs bedeuten. Aber für den Zuschauer könnte eine Welt mit etwas weniger Sendungen auch eine Welt mit besseren sein.
Das düsterere Szenario ist jedoch, dass ein Rückgang beim Streaming mit einer verstärkten Nachahmung des Franchise-Modells auf großen Bildschirmen im Fernsehen einhergehen könnte. In diesem Fall könnten wir immer mehr Blockbuster-Fernsehen als eine scheinbar sichere, aber unkreative Wette bekommen und gleichzeitig einige der zufälligen Experimente des Spitzenfernsehens verlieren – wie den glücklichen Zufall von „The White Lotus“, dessen Resort-Drama auf diese Weise entstand Film isoliert während Covid oder die Brillanz von „Andor“, einer „Star Wars“-Show ohne Markennamen oder Baby Yoda.
Wenn Ihnen Originalität am Herzen liegt, ist dies das eigentliche Verlierer- und Gewinnszenario für diesen Streik: Autoren haben am Ende einen gerechteren Anteil an einer Branche, die sich weiter von der Kreativität entfernt.
