Hadestown
Musik, Buch und Texte von Anaïs Mitchell, entwickelt mit und unter der Regie von Rachel Chavkin, choreografiert von David Neumann, musikalische Leitung und Gesangsarrangements von Liam Robinson. Im Royal Alexandra Theatre, 260 King St. W., bis 20. August. Mirvish.com oder 1-800-461-3333
„Way down under the Ground“: Es ist nicht der Ort, den man von einem großen Broadway-Musical erwartet.
Aber schon der Titel deutet darauf hin, dass „Hadestown“ an dunkle und stimmungsvolle Orte führt.
Anaïs Mitchells gefeierter Tuner verbindet antike Mythen, musikalische Einflüsse von Roots bis hin zu Showmelodien und bravouröse Bühnenkunst zu einer Hommage an die Fähigkeit der Liebe, kurzzeitig die bedrückende Last des Kapitalismus zu durchdringen.
Die Show wurde 2019 für 14 Tony Awards nominiert und gewann acht, darunter das beste Musical und die beste Filmmusik. Mirvish Productions moderiert sieben Wochen lang die Nordamerika-Tour der Show im Royal Alex, bevor sie in mehrere weitere kanadische Städte weitergeht, darunter Edmonton, wo sie 2017 im Rahmen ihrer mehr als zwölfjährigen Entwicklungsphase lief.
Im Einklang mit den aktuellen Broadway-Trends ist der Stil der Show sehr präsentationsorientiert, was bedeutet, dass sie ihr Material als Storytelling präsentiert, anstatt das Publikum in ein fiktives Universum einzuladen. Es ist eine Show, die in der Tatsache schwelgt, dass sie eine Show bietet. Im ersten Teil stellt ein Erzähler namens Hermes (Nathan Lee Graham) die Hauptfiguren und die allgemeine Richtung vor, in die die Geschichte geht: einen „Weg zur Hölle“.
Seine Distanzierungsgeräte wirkten bei mir effektiv, vielleicht mit einem Fehler: Ich war eher beeindruckt als bewegt, aber viele andere schienen mitgerissen zu sein. Ein Moment im zweiten Akt, in dem das magische Erscheinen einer roten Rose die Kraft der Liebe bestätigt, löste ein kollektives Keuchen und Seufzen aus.
Regisseurin Rachel Chavkin baut hier ihren Ruf für die Schaffung berauschend detaillierter Inszenierungen aus, die das Publikum in eine Gesamtumgebung und -stimmung einbeziehen sollen (das Musical „Natasha, Pierre & the Great Comet of 1812“, das Chavkin am Broadway einen Namen machte, erhält eine Produktion in Toronto). Crow’s Theatre and Musical Stage Company später in diesem Jahr).
Rachel Haucks Bühnenbild wurde von Veranstaltungsorten in New Orleans, darunter der Preservation Hall, inspiriert und erinnert sowohl an eine Flüsterkneipe als auch an ein griechisches Amphitheater, Orte, an denen sich die Gemeinde versammelt, um Zeugnis abzulegen. Eric Kangs siebenköpfige Band spielt auf der Bühne und blickt auf die Bühne. Mit einem ersten Posaunensolo von Emily Fredrickson, deren erstaunliche musikalische Fähigkeiten einer der Höhepunkte des Abends waren, sorgt die Show sofort für eine bluesige Stimmung.
Durch Hermes‘ Erzählung werden wir in die beiden miteinander verflochtenen Mythen eingeführt, die die Handlung ausmachen: die Liebesgeschichte zwischen dem aufstrebenden Liedermacher Orpheus (J. Antonio Rodriguez) und der Waisenkinder Eurydike (Hannah Whitley) und die angespannte Verbindung von Persephone (Maria- Christina Oliveras) und Hades (Matthew Patrick Quinn).
Ein Teil des Spaßes der Show für Theaterfans wird darin bestehen, interne Bezüge zu anderen Musicals zu entdecken: Mit der Gitarre über der Schulter und ständig abgelenkt von dem einen großartigen Song, den er zu schreiben versucht, erinnert Orpheus an Roger in „Rent“, während Graham sich kurvenreich bewegt Der ausdrucksstarke Hades erinnert an Ben Vereen als Hauptdarsteller in „Pippin“. Der Einsatz von Standmikrofonen erinnerte mich an „Girl From the North Country“ und half dabei, die Handlung in die Zeit der Weltwirtschaftskrise einzuordnen.
Der Aufbau ähnelt einem Liederzyklus mit relativ wenigen gesprochenen Dialogen. Zwei Refrains schlängeln sich in die Handlung hinein und aus ihr heraus: ein mädchengruppenartiges Schicksalstrio (Dominique Kempf, Belén Moyano und Nyla Watson) und ein fünfköpfiges Ensemble, das als Beobachter der Gemeinschaft beginnt und sich im Verlauf der Handlung in unterdrückte, entpersönlichte Arbeiter verwandelt zieht gegen Ende des ersten Akts in die Unterwelt des Hades.
Dies wird durch einen monumentalen Bühnen- und Lichtwechsel erreicht: Die Wände beben, eine Wand aus LEDs leuchtet, Nebel strömt herein und der beunruhigend glaubwürdige Effekt besteht darin, dass sich die gesamte Bühne nach unten bewegt. Das war alles sehr beeindruckend, aber der zusätzliche Effekt der Lichtstrahlen, die direkt in die Augen des Publikums fegten, steigerte diese Sequenz von berauschend zu erdrückend.
Quinns außergewöhnlich klangvolle Stimme und seine souveräne Bühnenpräsenz als Chef Hades mit Nadelstreifen und Pompadour machten ihn zu einem herausragenden Auftritt. Persephones Rolle in der Geschichte ist von entscheidender Bedeutung: Sie verbringt sechs Monate über der Erde und ist eine Kraft des Lichts und der Positivität, was durch ihr anfängliches hellgrünes Kostüm (die entzückenden Designs stammen von Michael Krass) wunderbar zum Ausdruck kommt. Der Konflikt für ihre Figur besteht darin, der Macht des Hades zu widerstehen und ihre Verbindung zur lebenden Welt aufrechtzuerhalten. Obwohl Oliveras wunderbar singt, spiegelt ihre Darbietung den inneren Aufruhr der Figur nicht vollständig wider.
Auch zwischen Rodriguez‘ „Orpheus“ und Whitleys „Eurydike“ fehlt ein Funke: Einzeln wunderschön gesungen, überzeugen die Aufführungen nicht ganz von einer leidenschaftlichen Verbindung, obwohl dies zum Teil auf die Entscheidung des Regisseurs zurückzuführen ist, die Darsteller für das Publikum und nicht füreinander spielen zu lassen .
Chavkins physische Inszenierung umfasst eine Reihe ergreifender Bewegungssequenzen, in denen David Neumans Choreografie und eine Bühnendrehung die bedrückende Welt der Unterwerfung unter der Herrschaft des Hades heraufbeschwören. In der Höhepunktsequenz der Reise von Orpheus und Eurydike zurück zur Erde laufen alle technischen und inszenatorischen Elemente zusammen, sodass es tatsächlich so aussieht, als würden sie sich durch Raum und Zeit bewegen, obwohl sie in Wirklichkeit größtenteils auf der Stelle gingen.
Es ist vor allem Mitchells Partitur, die dem Musical zu einer jugendlichen Fangemeinde verholfen hat, und ihre Fähigkeit, vielfältige musikalische Einflüsse von Jazz über Blues bis hin zu Roots in einer glaubwürdigen Musiktheatermusik zu vereinen, ist in der Tat erstaunlich (ihr überraschender Auftritt auf der Bühne am Eröffnungsabend, um eine Zugabe zu singen). mit der Besetzung war ein Highlight). Es ist ein Besetzungsalbum, zu dem ich zurückkehren werde, und „Way down, Hadestown“ ist ein echter Ohrwurm.
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