Tate Britain hat seine Sammlung neu aufgehängt, um die Vergangenheit Großbritanniens besser darzustellen. Hier sind 5 unverzichtbare Werke, die den Wandel widerspiegeln

Es ist zehn Jahre her, seit die Tate Britain ihre ständige Sammlung das letzte Mal erneuert hat, und in dieser Zeit mussten die Museen so etwas wie eine Abrechnung hinnehmen. Eine breite öffentliche und kritische Meinung hat gefordert, dass Institutionen die Geschichte des Vereinigten Königreichs besser widerspiegeln, indem sie sich mit den dunkleren Aspekten der Vergangenheit des Landes auseinandersetzen, von den Hinterlassenschaften der Sklaverei bis zur Auslöschung von Künstlerinnen.

Die Überarbeitung der Tate hat versprochen, dies zu erreichen, und zwar nicht nur dadurch, dass genau das, was ausgestellt wird (mehr als 800 Werke), auf den Kopf gestellt wird, sondern auch durch die Hinzufügung neuer Kontexte und Verbindungen zwischen Künstlern, ihren Werken und dem breiteren gesellschaftspolitischen Kontext des Tages. Es gibt auch ein viel umfassenderes Verständnis davon, was britische Kunst eigentlich bedeutet, und umfasst eine lange Geschichte der Einwanderung und Asyl, die bis in die Tudor-Ära zurückreicht. „Dies ist eine Chance, nicht nur stärker marginalisierten Perspektiven Raum zu geben, sondern auch zu zeigen, dass Kunst nicht im luftleeren Raum entsteht“, sagte Alex Farquharson, Direktor der Tate Britain, gegenüber Artnet News. „Es spricht auf komplexe Weise über die Gesellschaft, in der wir leben.“

Dies bedeutete, das chronologische Format von rund 40 Räumen zu verfeinern, um thematischere Interpretationen anzubieten, die seismische Weltereignisse wie den Zweiten Weltkrieg oder die haitianische Revolution sowie die allgemeine Stimmung oder kollektive Psyche einer Zeit, einschließlich des Existentialismus, umfassen könnten die Mitte des 20. Jahrhunderts und der neue Urbanismus der Victoria-Ära.

Natürlich ist die Nachfrage nach beliebten Werken wie dem von David Hockney groß Ein größerer Spritzer und John Everett Millais‘ Ophelia Spitzenposition einzunehmen ist hoch. Doch durch die Einführung neuer Aufträge, die bekannte Stücke neu kontextualisieren können, sowie durch die Einbeziehung übersehener, aber dennoch brillanter Künstler wirkt dieser neue Hang umso reicher. Hier stellt uns Farquharson fünf dieser Beispiele vor und erklärt: „Wir wollen über den Rahmen hinausschauen, um zu sehen, was fehlt und was im Bild ist.“

Pablo Bronstein, Molly House (2023)

Diese wundervolle Camp-Acryl- und Tuschezeichnung des argentinischen Künstlers Pablo Bronstein zeigt ein „Molly House“ aus dem 18. Jahrhundert. Diese Schwulenclubs befanden sich in Kaffeehäusern und Privathäusern unter relativer Geheimhaltung und waren zu einer Zeit, als Homosexualität mit dem Tod bestraft wurde, häufig Opfer gewalttätiger Polizeirazzien. Bronstein beschloss, diese verstörende Erzählung neu zu interpretieren, indem er die architektonische Sprache der damaligen Zeit nutzte und ihr eine völlig neue Sensibilität verlieh.

„Er hat sich eher anachronistisch dafür entschieden, Molly Houses als etwas Außergewöhnliches und Stolzes darzustellen“, sagte Farquharson. „Anstelle einer typischen, diskreten georgianischen Fassade haben Sie es mit einem außergewöhnlich extravaganten Barockgebäude zu tun, das voller Bilder ist, die so etwas wie die ‚größten Hits‘ der erotischen Kunst bieten, vom Heiligen Sebastian bis zum Eros.“ Bronsteins neuer Auftrag zeigt die verborgene Seite des Lebens im georgianischen London, die William Hogarth in seinen ebenfalls ausgestellten satirischen und moralistischen Radierungen des Stadtlebens nicht einmal zu zeigen wagte.

William Powell Frith, Der Derby-Tag (1856-8)

Dieses dicht bevölkerte Panorama feiert die neuen Möglichkeiten der Industrialisierung im viktorianischen Großbritannien, insbesondere die Vorteile des Zugfahrens, ist aber auch eine Übung im sozialen Kommentar. Die Szene zeigt Menschen aus allen Gesellschaftsschichten, die zusammengekommen sind, um dem jährlichen Derby in Epsom Downs in Surrey beizuwohnen, und ist voller Vignetten zur Unterhaltung, von aufwendig gekleideten Damen in Kutschen bis hin zu Zirkusartisten und Taschendieben.

„Dies ist ein großartiges Beispiel dafür, wie die Viktorianer eine neue Form der Malerei erfanden, bei der es keinen wirklichen Unterschied zwischen Populärkultur und hoher Kunst gibt“, sagte Farquharson. „Künstler spiegeln mehr das zeitgenössische Leben wider, oft in großem Maßstab, mit Schwerpunkt auf Geschichtenerzählen oder großer Dramatik. Sie erfanden auch die Blockbuster-Ausstellung. Als dieses Gemälde 1856 erstmals in der Royal Academy ausgestellt wurde, standen die Menschen Schlange vor dem Block. Es musste ein Geländer errichtet werden, um die Öffentlichkeit zurückzuhalten, und es war eine Polizeipräsenz erforderlich.“

Friths Bild vermittelt auch einen Eindruck von der Geburt der Tate-Sammlung. „Das Gebäude hieß ursprünglich National Gallery of British Art, was zeitgenössische viktorianische Kunst der damaligen Zeit bedeutete“, fügte Farquharson hinzu. „Vieles von dem, was in diesem Bereich des Rehangs gezeigt wird, stammt aus der Sammlung des Galeriegründers Henry Tate.“

Ronald Moody, Der Zuschauer (1958-62)

Ronald Moody, Der Zuschauer (1958-62). ©Der Nachlass von Ronald Moody. Foto: Tate Photography.

„In der Nachkriegszeit liegen Europa und Großbritannien in Trümmern, traumatisiert vom Krieg und den Schrecken des Holocaust. Wir betreten eine Welt viel mehr ohne Gott und der Existentialismus wird zu einer sehr populären Theorie“, sagte Farquharson. „Es war eine Zeit enormen Traumas, aber auch einer erneuerten Freiheit, der Dekolonisierung und Einwanderung.“

Ronald Moody war bereits in den 1920er-Jahren von Jamaika nach London gezogen, gab aber bald darauf eine erfolgreiche Karriere als Zahnmediziner auf, um sich 1938 in Paris der Kunst zu widmen. Er kehrte in die britische Hauptstadt zurück, um der Nazi-Besatzung zu entgehen, und schuf atemberaubende Holzstücke, die das verkörpern, was Farquharson als „…“ bezeichnete „die Zerbrechlichkeit der Menschheit, sowohl physisch als auch psychisch.“ Aus Teakholz geschnitzt, Der Zuschauer stellt die Figur des Künstlers als wachsamen Beobachter dar, der sich duckt und seine Arme wie zum Schutz fest um seinen Körper schlingt.

Dennoch ist die glatte Oberfläche mit den Spuren der Werkzeuge des Bildhauers versehen, außerdem weist das Holz einen natürlichen Riss auf, der sich durch den Korpus zieht, als ob er auffallen könnte. Direkt unter dem rechten Auge der Figur erscheint außerdem ein dunkler, natürlicher Fleck im Material, als würde sie weinen.

George Stubbs, Heumacher Und Schnitter (1785)

George Stubbs, Schnitter (1785). Foto: Tate Photography.

George Stubbs, Heumacher (1785). Foto: Tate Photography.

„Während des 18. Jahrhunderts verabschiedeten Parlamentsabgeordnete Gesetze, die es den örtlichen Grundbesitzern ermöglichten, Gemeindeland zu ‚einschließen‘ oder besser gesagt zu stehlen, auf das die Arbeiterklasse angewiesen war, um sich zu ernähren und ihren Lebensunterhalt zu bestreiten“, erklärte Farquharson. „Im In- und Ausland herrschte immer die Vorstellung, dass Landbesitz eine vornehme und vornehme Angelegenheit sei, weshalb Künstler wie George Stubbs idealisierte Vorstellungen von Landarbeit und sogar Sklaverei schufen, wie auf dem nahegelegenen Gemälde zu sehen ist.“ Tanzszene in der Karibik(1764-96) von Agostino Brunias.“

In diesen beiden Gemälden von Stubbs, der für seine idyllischen Szenen und Tierbilder bekannt war, wirkt die Arbeit fast gemächlich, wo gut gekleidete Männer und Frauen freudig ihrer Pflicht nachgehen, während sie von der Sonne durchnässt sind. Diese Visionen könnten nicht weiter von der Realität der zermürbenden Landarbeit entfernt sein.

„Das sind völlig irreführende Fantasiebilder“, fügte Farquharson hinzu. „Sie wurden entwickelt, um ein positives Bild der Grundbesitzerklasse zu verbreiten und ihnen ein besseres Selbstgefühl zu vermitteln. Im Rahmen der Neuaufhängung wollten wir einen Dialog rund um diese Werke schaffen, um noch einmal zu zeigen, was noch nicht gesehen wurde. Deshalb haben wir Olivia Plender’s vorgestellt Setzen Sie die Segel in Richtung Levante: Ein Brettspiel über Schulden (für Sozialsatire) (2007), das im Monopoly-Stil zeigt, wie grausam die Lebensrealität in dieser Zeit war. Für die meisten Mitglieder der Gesellschaft stehen die Chancen sehr schlecht.“

Ithel Colquhoun, Skylla1938

Ithel Colquhoun, Skylla (1938). ©Spire Healthcare, ©Noise Abatement Society, ©Samaritans. Foto: Tate (Joe Humphrys).

Laut Farquharson „spiegelt die Neuaufhängung die Beiträge von Künstlerinnen in der gesamten britischen Geschichte, beginnend mit der Tudor-Zeit bis zur Gegenwart, besser wider.“ Wir präsentieren moderne Meister, darunter Barbara Hepworth [and the lesser-known] Verdammt, Colquhoun. Die Künstlerin beherrschte ihre eigene Form des Surrealismus, inspiriert von der Küstenumgebung ihrer Wahlheimat Cornwall. Während andere Künstler implizite Bilder der menschlichen Sexualität schufen, war Colquhouns Skylla ist in seiner dualistischen Darstellung des „weiblichen Körpers als Meereslandschaft“ fast anschaulich.

Der Titel ist eine Anspielung auf ein übernatürliches, monströses Wesen aus der griechischen Mythologie, das sich in seichten Gewässern versteckte, um ahnungslose Beute zu verschlingen, darunter sechs von Odysseus‘ Gefährten. Die beiden Felsformationen, die gleichzeitig als Beine dienen, aber auch etwas phallisch wirken, umrahmen ein Stück Seegras, das für öffentliche Haare steht. Die einzige Präsenz der von Menschenhand geschaffenen Welt besteht in der Form eines winzigen Segelboots, das offenbar auf dem Weg ist, anzulegen oder vielleicht an den Felsen abzustürzen. Eine solche Szene könnte auf die unwillkommene Präsenz von Männlichkeit hinweisen, die Mutter Natur aufgezwungen wird. Unabhängig von der Interpretation ist dieses Gemälde ein faszinierendes Beispiel für den entscheidenden Beitrag von Frauen zum Surrealismus in Großbritannien und darüber hinaus.

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