ÖIm ersten Titel von Beyoncés neuem Album scheint sie den Anstoß hinter dem Projekt zu geben: „Früher sagten sie, ich spreche zu Country / Dann kam die Ablehnung und sagte, ich sei nicht Country-genug.“ Diese Ablehnung war eine unbenannte Erfahrung, bei der sie sich, wie sie sagte, „nicht willkommen gefühlt“ habe, vermutlich bei ihrem Auftritt ihres Liedes „Daddy Lessons with the Chicks“ bei den Country Music Awards 2016. Es löste eine rassistische Gegenreaktion in Teilen des Establishments des Landes sowie Empörung darüber aus, dass Beyoncé den Chicks eine Plattform bot, die aus der Branche verbannt waren, seit Sängerin Natalie Maines 2002 George W. Bushs Umgang mit dem Irak-Krieg kritisierte.
„Cowboy Carter“ ist Beyoncés 27 Titel umfassende Antwort. Auf dem Cover des Albums sitzt sie auf einem Pferd, hält eine amerikanische Flagge in der Hand, ist in Kleidung mit US-Flagge gehüllt, ihre langen blonden Locken wehen und auf dem Kopf sitzt ein Cowboyhut. In den wenigen Details, die sie über das Album preisgegeben hat, sagte sie, sie habe „tiefer in die Geschichte der Country-Musik eingetaucht und unser reichhaltiges Musikarchiv studiert“. Als sie die erste schwarze Künstlerin wurde, die einen US-amerikanischen Country-Platz Nr. 1 hatte und mit einem Country-Song die Billboard Hot 100 anführte und eine Debatte über ihren Platz in diesem Genre herrschte, unterstützte sie keine größere Country-Koryphäe als Dolly Parton. Später wurde bekannt, dass sie und die Outlaw-Legende Willie Nelson auf dem Album zu hören sein würden, was den Country-Ehrgeiz des Albums untermauerte.
Ich bin ein international tourender Akustikgitarrist aus Virginia, der amerikanische Volksmusik studiert hat. Das Versprechen von Beyoncés Country-Album war für mich aufregend, ebenso wie das Personal auf seinen beiden Lead-Singles: der Musiker-Gelehrte Rhiannon Giddens, der Banjo und Bratsche bei Texas Hold ‘Em spielt, und der Pedal-Steel-Spieler Robert Randolph – aus der Sacred-Steel-Tradition Südliche schwarze Pfingstkirchenmusik aus den 1930er Jahren – erscheint auf 16 Carriages. Hierbei handelt es sich um schwarze Country- und Folk-Künstler, die innerhalb der traditionellen Abstammungslinien der Schwarzen arbeiten und es verdienen, für ihre Besonderheit hervorgehoben und gefeiert zu werden. Als ich jedoch an diesem Wochenende „Cowboy Carter“ hörte, hatte ich das Gefühl, dass kaum etwas getan worden war, um das breite Wissen von Beyoncés Mitarbeitern oder der schwarzen Country-/traditionellen Musikgemeinschaft insgesamt zu nutzen. Beyoncé entschied sich dafür, Giddens‘ Banjo und Randolphs Pedal Steel als Requisiten zu verwenden, um die Gesamtproduktion auf der Platte zu untermauern, anstatt diese Traditionen auf einem Album mit künstlichem Glanz in den Vordergrund zu rücken. Darüber hinaus fühlte es sich an, als stünde man im stärkeren Dialog mit einem ausschließenden Mainstream – und wie eine kapitalistische Geste, sich in diese Welt einzufügen.
Vor der Veröffentlichung erklärte Beyoncé, Cowboy Carter sei „ein ‚Beyoncé‘-Album, kein Country-Album“, und sie singt, dass sie möchte, dass das Genre bedeutungslos wird. Sie nutzt sogar ein Zwischenspiel von Linda Martell, der ersten schwarzen Solokünstlerin, die in der Grand Ole Opry spielte, um dies noch einmal zu betonen. „Genres sind ein komisches kleines Konzept, nicht wahr? Ja, das sind sie“, sagt Martell zum Song Spaghettii. „Theoretisch haben sie eine einfache Definition, die leicht zu verstehen ist. Aber in der Praxis fühlen sich einige möglicherweise eingeschränkt.“ Wie Giddens es kürzlich in einem Artikel für den Guardian ausdrückte: „Tradition wird gemäß der inneren Logik bestimmter Gemeinschaften durch lange Prozesse kreativen Engagements geformt … Genre hingegen ist ein Produkt des Kapitalismus und von Menschen mit Zugang zur Macht.“ Erschaffe es, kontrolliere es und halte es aufrecht, um Kunst zur Ware zu machen.“ Trotz der Verwendung von Funk, Psychedelia und sogar Jersey-Club durch Cowboy Carter lässt Beyoncés eklatante Anlehnung an die Country-Ästhetik, die dieses Album deutlich von ihren vorherigen Platten unterscheidet, darauf schließen, dass sich eine Künstlerin an die Standards der letztgenannten Kategorie anpasst, um vom Wachstum zu profitieren Popularität der Country-Musik.
Billboard berichtete, dass der Country-Musikkonsum im ersten Halbjahr 2023 im Jahresvergleich um 20,3 % gestiegen sei, was auf den Erfolg der Platten von Wallen, Luke Combs, Zach Bryan und Bailey Zimmerman zurückzuführen sei. Später in diesem Jahr kamen umstrittene Country-Nr.-1-Singles von Jason Aldean und Oliver Anthony. In ihrem Kielwasser drängen sich große Künstler auf: Post Malone hat die Veröffentlichung eines bevorstehenden Country-Albums angekündigt; Lana Del Rey hat außerdem die Veröffentlichung eines Country-Albums, Lasso, für diesen Sommer angekündigt. „Cowboy Carter“ scheint sich kaum von den Versuchen zu unterscheiden, aus der Bedeutung des Genres Kapital zu schlagen.
Welchen anderen Grund gibt es, Gastauftritte von Post Malone und Miley Cyrus aufzunehmen – beides weiße Künstler, die sich die Hip-Hop-Ästhetik zunutze machten, um Erfolg und Relevanz zu erlangen, bevor sie das Genre später kritisierten? Angesichts der lobenswerten Arbeit von Beyoncé, der schwarzen Kunst den gebührenden Stellenwert zu geben, erscheint dies unpassend, ebenso wie die Nachricht, dass Post Malone mit dem Country-Star Morgan Wallen zusammenarbeiten wird, der 2021 bei einer rassistischen Beleidigung auf Video gefilmt und kurzzeitig von der Branche bestraft wurde – nur an die Spitze der Charts zurückzukehren und Rekorde zu brechen, als sein 2023 erschienenes Album „One Thing at a Time“ zum am längsten laufenden Nr. 1-Country-Album der USA wurde. Die rasche Erholung seiner Karriere zeigt die Doppelmoral für weiße männliche Künstler und dann für alle anderen in der Country-Musikindustrie. Und Beyoncé, der mit Post Malone ein schreckliches Duett über Levi’s-Jeans singt, ist keine Tradition; Es ist eine Werbung, die eine bestimmte Ästhetik ausnutzt, ähnlich wie ihre Black-Panther-artige Uniform beim Super Bowl 2016.
Auch ihre Versuche, Geschichten im Landhausstil zu erzählen, gehen daneben. „16 Carriages“ erinnerte mich sofort an Merle Travis‘ Hit „Sixteen Tons“. Sie sind beide autobiografische Zeugnisse von Not und Opferbereitschaft. Merle singt über das Leben seiner Familie in den Kohlengruben von Kentucky und singt: „Ich habe 16 Tonnen geladen / Was bekommst du?“ / Ein weiterer Tag älter und tiefer verschuldet.“ Auf 16 Carriages singt Beyoncé über ihr junges Tourleben mit Destiny’s Child „auf der Rückseite des Busses“, „in einer Koje mit der Band“. So hart ich weiß, dass das Busleben auch sein kann, Beyoncés Nöte sind eine Hollywood-Version der Realität des arbeitenden Menschen.
„Ich habe den Sonnenschein nicht gesehen, seit ich nicht weiß, wann ich im Folsom-Gefängnis festsitze und die Zeit immer weiter vergeht“, singt Johnny Cash im Folsom Prison Blues. „AOTY, ich gewinne nicht“, klagt Beyoncé in „Sweet Honey Buckiin’“ und bezieht sich damit auf die Tatsache, dass sie nie den Grammy für das Album des Jahres gewonnen hat, obwohl sie die am meisten geschmückte Musikerin der Auszeichnungen war. Der Unterschied in der Lyrik zeigt das sich verändernde Ethos in der Country-Musik, von der authentischen Vergrößerung der Erfahrung der Unterschicht bis hin zu einer Abkürzung zur wahrgenommenen Authentizität. Beyoncés überlebensgroße Persönlichkeit steht im Widerspruch zur Tradition selbst. Nehmen Sie ihre Neufassung von Partons Jolene. Im Original ist Parton verletzlich und machtlos gegenüber einer Frau, von der sie glaubt, dass sie ihren Mann weglocken könnte. Beyoncé verwandelt das Lied in einen feurigen Warnschuss, der die Spannung, die das Original mehr als 50 Jahre lang ausgehalten hat, zugunsten einer popstarhaften Aussage über die Dominanz beseitigt.
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Selbst als Genre-verschmelzendes Album mangelt es Cowboy Carter an der Umsetzung einer Platte wie „Modern Sounds in Country and Western Music“ von Ray Charles. Modern Sounds überarbeitet Country-Standards in Pop-, Jazz- und R&B-Songformen, indem es die älteren Traditionen der Country-Western-Musik mit der moderneren Popmusik dieser Zeit verschmilzt. Wenn Cowboy Carter vielleicht mehr schwarze Country-Künstler der Arbeiterklasse vorgestellt hätte oder sich auf die Gelehrsamkeit von Leuten wie Dom Flemons, ehemals Carolina Chocolate Drops, oder Kollektiven wie Black Opry, die schwarze Künstler, Fans und Industriearbeiter vertritt, gestützt hätte, oder der inzwischen aufgelösten Black Country Music Association der 1990er Jahre, es hätte genauso aufregend sein können wie Modern Sounds.
Wie schon seit ihrem selbstbetitelten Album von 2013 hat Beyoncé geheim gehalten, wie das Album entstanden ist – was es schwierig macht, etwas anderes oder eine andere Kultur als Beyoncé selbst als die zentrale Figur von Cowboy Carter zu sehen. Es ist bedauerlich: Das Album hätte davon profitiert, seinen Superstar aus dem Mittelpunkt zu rücken und die Experten, denen sie vertraute, bei der Erstellung des Albums unterstützen zu lassen, um heller zu strahlen. So wie es aussieht, fühlt es sich an, als hätte Beyoncé den Carter vor das Pferd gestellt.
