Grischa Huber, der magnetische deutsche Star, der dieses Jahr im Alter von 76 Jahren starb, wurde mit einem ihrer ersten Spielfilme zu einer feministischen Ikone im europäischen Kino. Sie war eine etablierte Bühnenkünstlerin, als sie von der Regisseurin Helma Sanders-Brahms als politisch engagierte Theaterschauspielerin im Film Unter dem Pflaster ist der Strand (1975) besetzt wurde. Es wurde mit dem unangenehmen englischen Titel “Under the Pavement Lies the Strand” veröffentlicht, der das letzte Wort nicht als “Strand” übersetzte. Das Original bezieht sich auf einen Slogan, der während der Proteste von 1968 in Frankreich populär wurde: “Sous les pavés, la plage!” Dies war buchstäblich ein Hinweis auf den Sand unter abgelösten Steinen, die in Unruhen geworfen wurden; metaphorisch implizierte es eine Utopie, die von der modernen Gesellschaft unberührt blieb.
Hubers Charakter, auch Grischa genannt, taucht in einem griechischen Drama darüber auf, wie die alte Herrschaft der Frauen von Männern abgeschafft wurde. Eine auffällige Einstellung fängt die Schauspielerinnen ein, die sich zu einem stillen Schrei gesellt haben. Sanders-Brahms wird weiter untersuchen, wie Frauen in den 1970er Jahren immer noch zum Schweigen gebracht werden, sich aber zusammenschließen, um ihre Rolle in der Gesellschaft neu zu definieren.
Der Film folgt einer neu entfachten Beziehung zwischen Grischa und ihrem Co-Star Heinrich (gespielt von Heinrich Giskes). In ihrem Eröffnungsgespräch geht es authentisch darum, wie sich Schauspieler nach einer Aufführung fühlen können. Ein antiklimaktisches Gefühl der Erschöpfung hängt in der Umkleidekabine, während sie ihr Make-up entfernen. Keiner will das Theater verlassen und nach Hause zurückkehren – sie lebt mit ihrem Partner zusammen, er mit seinen Hunden – und sie verzögern sich so lange, bis sie eingesperrt werden.
Grischa, die während des gesamten Films durchdringend selbstanalytisch ist, wünscht sich, dass die Entscheidungsfreiheit und Vitalität, die sie beim Schauspielern empfindet, auf den Rest ihres Lebens übertragen werden kann. Sanders-Brahms betrachtet die theatralische Essenz der Aktivitäten des Paares außerhalb der Bühne. Ihre wehmütigen Erinnerungen an Demonstrationen Ende der 60er Jahre in Berlin erinnern uns daran, dass Proteste im Wesentlichen eine Aufführung sind. („Wir sind in unseren Muscheln zurückgekrochen“, sagt Heinrich und beobachtet, wie sich der Geist dieser Zeit aufgelöst hat und die linke Bewegung gebrochener geworden ist.) Wenn Grischa beschließt, Sex mit Heinrich zu haben, entwerfen sie im Wesentlichen und dekoriere ihr eigenes Set für die Begegnung. Das Schlafzimmer eines Freundes wird ausgeliehen, die Bettwäsche auf den Boden gelegt, das Licht angepasst und Musik für eine Szene gemacht, die sowohl zart als auch verspielt ist und von Sanders-Brahms mit sanftem Humor eingefangen wird.
Huber und Sanders-Brahms waren beide Anfang 30, als sie den Film schufen, und sie wurden zu Kräften innerhalb der boomenden Bewegung des Neuen Deutschen Kinos, die von jungen Regisseuren wie Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders und Werner Herzog dominiert wurde. Sanders-Brahms gibt der Dokumentarfilmform eine Wendung: Ihr Voice-Over kommentiert Grischas Aktivitäten, und es gibt Ausschnitte aus Fotografien historischer Votes for Women-Kampagnen und Kindheitsfotos von Huber. Einige Jahre später enthielt ihr Film Deutschland Bleiche Mutter (Deutschland Pale Mother, 1980) mit Fassbinders regulärem Star Eva Mattes Filmmaterial aus der Wochenschau in seiner Mischung aus Fakten und Fiktion.
Als Schauspielerin wählt Grischa Projekte aus, die ihren persönlichen politischen Interessen entsprechen. Sanders-Brahms zeigt, wie sie das Arbeitsleben von Frauen erforscht. Sie filmt Interviews mit Müttern darüber, wie sie Kinderbetreuung mit Fabrikschichten verbinden, und spricht mit Frauen, die Abtreibungen hatten. In einer anderen Art von Film könnte Grischa als Ergebnis dieser Forschung ihr eigenes Drama inszeniert haben, aber Sanders-Brahms schlägt vor, dass es eine viel persönlichere Suche ist. Grischa versucht, aus den Erfahrungen anderer zu lernen, um eine Entscheidung darüber zu treffen, wie sie es schaffen könnte, eine Schauspielkarriere mit der Erziehung eines Kindes zu verbinden.
Was Grischa findet, ist, dass Frauen immer noch zum Schweigen gebracht werden: Viele berufstätige Mütter haben einfach keine Zeit, ihre Erfahrungen zu besprechen, so eng sind ihre Zeitpläne; andere reflektieren ihren Konflikt mit Männern zu Hause und bei der Arbeit. Eine Frau gibt zu, wie sie als Kind missbraucht wurde, sich unfähig fühlte, darüber zu sprechen, und wie sich dies auf ihre zukünftigen Beziehungen auswirkte. Die Abtreibung in Berlin, so erfährt Grischa, wird nur Frauen gewährt, die im Wesentlichen behaupten, selbstmörderisch und psychisch krank zu sein. Während dieser Interviews tritt Grischa als suchende, sensible Mitarbeiterin mit ihren Themen auf – ein beabsichtigter Kontrast, vermutlich zu dem Mann mit dem steinernen Gesicht, der das griechische Drama in den Eröffnungsszenen inszeniert. Hubers konzentrierte Vitalität treibt den Film an und wird schließlich von Heinrich als Bedrohung empfunden, der gereizt versucht, ihre Forschung zu stören, und behauptet, er werde vernachlässigt.
Grischa gewinnt durch ihre Interviews mit anderen Frauen künstlerische und persönliche Selbstverwirklichung und Selbstbestimmung und tritt als eine andere Art von Schauspieler hervor als Heinrich, den sie als unfähig identifiziert, seinen inneren Gefühlen Ausdruck zu verleihen. Während sie immer noch leidenschaftlich an die Kraft des Theaters glaubt, Veränderungen zu bewirken, sagt er zu seiner neuen Geliebten: „Wir haben versucht, die Welt durch Theater zu verändern. Nichts ist passiert. Ich finde es arrogant für einen Schauspieler, den Arbeitern zu sagen, worum es geht. “ Dies ignoriert Grischas überlegte Versuche, mit Arbeitern zusammenzuarbeiten, um ihre Geschichten zu verstehen.
Sanders-Brahms studierte Schauspiel, bevor er Regisseur wurde, teilweise auf Anregung von Pier Paolo Pasolini, und untersuchte in ihrem Film Flügel und Fesseln (Die Zukunft von Emily, 1984) auch die Beziehungen zwischen Schauspielern. Under the Pavement wurde mit Hilfe des Berliner Schaubühne-Theaters hergestellt, in dem auch beide Stars auftraten. Obwohl der Film nur wenige Szenen des Dramas enthält und das Bühnenleben nicht so direkt untersucht wie andere Filme in dieser Serie, liegt das Potenzial des Theaters, das Persönliche mit dem Politischen zu verbinden, im Mittelpunkt.
