Logan Hicks spricht über seinen kreativen Prozess und seine Inspiration hinter Urban Stencil Art – Samsung Global Newsroom

Seit seiner Einführung im Jahr 2017 steht der Samsung Art Store an vorderster Front und treibt bedeutende Veränderungen in der Art und Weise voran, wie wir Kunst erleben und schätzen. Mit umfangreichen Kunstsammlungen bieten The Frame und der Art Store den Verbrauchern verschiedene Möglichkeiten, verschiedene Formen von Kunstwerken bequem von zu Hause aus zu genießen.

Street Art – die häufig Elemente der Umgebung und der Natur einbezieht – hat ihren Platz in den digitalen Medien gefunden, da sich Darstellungstechnologie und Bildqualität in den letzten Jahren rasant weiterentwickelt haben. Durch Partnerschaften mit Künstlern wie Logan Hicks schließt der Samsung Art Store die Lücke zwischen öffentlicher Kunst und alltäglichen Verbrauchern und bringt den Benutzern komplizierte Details, Ausdrücke und Eindrücke näher als je zuvor.

Samsung Newsroom hatte das Privileg, mit Logan in Kontakt zu treten, um über seinen kreativen Prozess und seine Inspiration zu sprechen und darüber, wie seine Partnerschaft mit dem Samsung Art Store dazu beigetragen hat, die Grenzen seines Handwerks zu erweitern.

Logan Hicks ist ein hochgelobter Künstler aus New York, der für seine komplexen fotorealistischen Stadtlandschaften bekannt ist. Durch die Verwendung mehrerer Schablonenschichten verbindet er nahtlos urbane Ästhetik mit äußerster Präzision und Detailgenauigkeit.



Inspiration und Einflüsse: Von Baltimore nach Kalifornien und darüber hinaus

F: Könnten Sie uns etwas über sich und Ihre Karriere als Künstler erzählen? Wie sind Sie zur Arbeit mit Schablonen gekommen?

Nachdem ich ein erfolgreiches kommerzielles Siebdruckunternehmen geführt hatte, beschloss ich, mich auf meine Kunst zu konzentrieren und zog von Baltimore nach Kalifornien. Ich habe es mit handgeschnittenen Schablonen versucht und mich verliebt. Der Prozess ist ähnlich, aber Schablonen sind mühsam und nicht genau. Ich habe diese Herausforderung angenommen und gelernt, mit mehreren Ebenen tiefe Details zu erzeugen.

F: Was ist Ihre Leidenschaft, die Ihre Kunst inspiriert?

Reisen ist für mich Inspiration und Antidepressivum zugleich. Das Kennenlernen neuer Länder, Menschen, Orte und Kulturen hat mir immer geholfen, die Augen dafür offen zu halten, wie absolut fantastisch die Welt ist. Nach meiner Reise freue ich mich immer darauf, wieder ins Studio zu gehen.

Ich finde auch viel Inspiration in New York City. Die Art und Weise, wie sich die Stadt im Laufe des Tages und des Jahres verändert – sie hat ein Eigenleben. Während der Pandemie war es besonders interessant zu sehen, wie eine pulsierende Stadt leer war. Es war unheimlich schön.

F: Könnten Sie uns durch Ihren künstlerischen Prozess von den Fotos, mit denen Sie beginnen, bis zum Endprodukt führen?

Normalerweise gehe ich nicht im Detail auf meinen Prozess ein, nur weil es leicht passieren kann, dass der Prozess mit dem Produkt verwechselt wird. Ungefähr 75 % meiner Zeit, Kunst zu machen, entfällt auf den mühsamen Prozess der Bildvorbereitung, des Schablonenschneidens, des Überbrückens der Schablonen usw. Um es kurz zu erklären: Ich mache Fotos, zerlege sie in verschiedene Kontraststufen, schneide sie aus und sprühe sie darauf voneinander und malen Sie dann die Lichter sorgfältig an. Meine Schablonen sind nicht die Art, die man einfach über eine feste Farbschicht rollen kann – ich bringe das Bild langsam mit kleinen Farbspritzern zum Vorschein, die ich aufbaue.

F: Was ist Ihr Lieblingsschritt in Ihrem künstlerischen Prozess?

Mein Lieblingsschritt ist das Erstellen und Auswählen einer Stimmung für mein Kunstwerk. Wird meine Szene anspruchsvoll oder malerisch sein? Wird es die Einsamkeit des Abends oder die Lebendigkeit eines hellen Tages darstellen? Ein Satz Schablonen kann auf viele Arten bemalt werden, und es macht mir Spaß, herauszufinden, welche die beste ist.

F: Welche Partnerschaften, an denen Sie im Laufe der Jahre gearbeitet haben, sind für Sie besonders hervorzuheben?

Ich finde, dass die erfolgreichsten Partnerschaften diejenigen sind, die zumindest für mich die geringste Richtung haben. Für eine erfolgreiche Zusammenarbeit ist es von größter Bedeutung, ein Unternehmen zu finden, das mir die Freiheit gibt, das zu tun, was ich will. Ein paar, die mir in den Sinn kommen, sind die Bowery Wall, die ich für die Familie Goldman in New York gemalt habe, und eine Partnerschaft mit Porsche für ihr Elektroauto auf der Scope Art Fair.

Logan Hicks X Samsung Art Store

F: Warum haben Sie sich für eine Partnerschaft mit dem Art Store entschieden?

Ein Künstler hat nur zwei Gründe, weiterzumachen: Kunst zu machen und sie einem Publikum zu präsentieren. Für mich war der Samsung Art Store eine Möglichkeit, meine Kunst zu präsentieren – es war ein neuer Ansatz zur Präsentation meiner Kunst und aus diesem Grund fand ich ihn interessant. Wohnräume werden heutzutage immer kleiner, daher sah ich darin eine Möglichkeit, mehrere Kunstwerke zu teilen, anstatt sie an begrenzten Wänden aufzuhängen.

F: Wie sieht die Präsentation Ihrer Arbeiten auf The Frame im Vergleich zu anderen Medien aus, mit denen Sie gearbeitet haben (z. B. Leinwand, Ziegel-/Betonwände, Werbetafeln)?

Gute Kunst sollte sich auf verschiedene Medien übertragen lassen: Leinwand, Wände oder digital. „The Frame“ war schon deshalb eine interessante Plattform, weil man keine Kontrolle darüber hat, wo es aufgehängt wird oder welcher Haushalt welche Kunstwerke herunterlädt – es hat Spaß gemacht, herauszufinden, welche meiner Stücke die universellste Anziehungskraft haben. Wenn Sie an einem bestimmten Ort arbeiten (z. B. bei einem Wandgemälde), müssen Sie die Umgebung, die Beleuchtung, die Oberfläche der Wand usw. berücksichtigen. Der Erfolg eines Wandgemäldes basiert auf Ihrer Fähigkeit, sich an die Umgebung anzupassen. Bei The Frame ging es jedoch darum, diese Werke von der Wand zu nehmen und in einen digitalen Raum zu stellen – die Aufmerksamkeit galt zu 100 % dem geschaffenen Kunstwerk und nicht der Umgebung, in der es lebt.

F: Wie trägt Ihre charakteristische Technik der Farbmischung durch Aerosol zur visuellen Attraktivität Ihrer Arbeit bei, wenn sie digital angezeigt wird?

Ich hoffe, dass das Publikum meine Arbeit auf mehreren Ebenen schätzen kann. Beispielsweise beobachtet man das Motiv erst aus der Ferne, bevor einem beim Näherkommen die Details auffallen. Sobald Sie nur wenige Zentimeter davon entfernt sind, wird die Ausführung klar – von der Art und Weise, wie die Farben miteinander verschmelzen, bis hin zu den winzigen Punkten aus Aerosolfarbe, die die Oberfläche des Bildes bilden.

Meine Arbeit weist Nuancen auf, die auf herkömmlichen digitalen Displays schwer zu erkennen sind. Ich war zufrieden damit, wie das matte Display von The Frame Details der Sprühfarbe und die subtilen Farbveränderungen aufgreift. Die Ausstellung bietet die Möglichkeit, das Werk aus verschiedenen Entfernungen zu erleben, als ob es auf einer Wand oder Leinwand stünde.

F: Sie haben bereits Erfahrung mit der Erstellung großformatiger Wandgemälde weltweit an Orten wie Istanbul, Miami, Baltimore, New York, Tunesien, Paris usw. Wie erweitert die Art Store-Partnerschaft die globale Reichweite und Zugänglichkeit Ihrer Arbeit für darüber hinausgehende Zielgruppen? ?

Ich vergesse leicht, dass 99,9 % der Welt nicht die Gelegenheit haben werden, meine Arbeit persönlich zu sehen. Wenn ich ein Wandgemälde male, geschieht das meist in größeren Ballungsräumen und in Städten, zu denen ich bereits eine gewisse Verbindung habe. Deshalb möchte ich meine Reichweite auf Menschen ausweiten, die möglicherweise nicht an den Orten leben, an denen ich male. Mit diesem Ansatz hat jemand im ländlichen Outback Australiens genauso Zugang zu meinen Stücken wie jemand im Herzen Manhattans.

F: Was sind Ihre drei Top-Tipps, die Sie den Verbrauchern zur Anzeige auf The Frame empfehlen würden? Bitte erläutern Sie uns die einzelnen Punkte ganz kurz.

Dieses Gemälde zeigt die Vorderseite von Monets Haus. Ich besuchte Monets Garten zum ersten Mal und hatte sofort das Gefühl, in einem anderen Land zu sein – Blumen umgaben mich wie ein grüner Nebel und der Duft von Blumen erfüllte die Luft. Als ich vor Monets Haus stand, stellte ich mir vor, wie es gewesen wäre, dort zu leben. Ich denke darüber nach, dass Monet dies jeden Morgen sah, als er durch den Garten ging und zu seinem Haus zurückkehrte.

Auch dieses Stück stammt aus Monets Garten. Was mir an dem Garten am besten gefallen hat, ist, dass man nur sehr selten an derselben Stelle stehen kann, an der ein Meisterwerk geschaffen wurde. Ich bin damit aufgewachsen, Monets Gemälde in meinen Kunstgeschichtsbüchern, im Fernsehen und in Filmen zu sehen. Aber als ich den Garten besuchte, wurde mir klar, dass ich auf dem Gemälde war. Ich stand dort, wo einst Monet stand, als er malte, und plötzlich ergaben seine Kunstwerke für mich mehr Sinn. Natürlich hat er seinen Garten gestrichen! Wie kann man den Himmel besuchen, ohne ihn in einem Gemälde festzuhalten?

Ich habe eine Schwäche für Paris: die Kultur, das Essen, die Kunst und die Architektur. Ich liebe es alles. Bei diesem Gemälde handelt es sich um eine Szene, die Sie sehen, wenn Sie den Bahnhof Gare de Lyon verlassen. Ich kann mich erinnern, als ich das Foto gemacht habe, das mir als Inspiration für dieses Stück diente. Mein Freund fragte mich: „Warum solltest du ein Foto von der Straße machen?“ Es ist hässlich. Es ist der Bahnhof, der wunderschön ist.“ Das Wunderbare am Touristsein ist, dass alles neu und frisch ist. Für mich war die Straße genauso schön wie der Bahnhof. Das ist die Kraft eines guten Gemäldes – es kann die langweiligsten Szenen verzaubern.

Die Schnittstelle zwischen Technologie und Kreativität

F: Wie bewegen Sie sich als Künstler, der für Ihre traditionellen künstlerischen Techniken bekannt ist, an der Schnittstelle zwischen traditionellen Kunstformen und der digitalen Welt?

Kunst ist eine Sprache und das Erlernen dieser Sprache in verschiedenen Bereichen ist entscheidend für den Erfolg eines Künstlers. Ich mache mir nicht allzu viele Gedanken darüber, was traditionell ist und was nicht. Ich versuche einfach darüber nachzudenken, wie die Arbeit auf die Größe von The Frame verkleinert aussehen wird. Ich versuche darüber nachzudenken, welche Stücke so komplex sind, dass sie über einen längeren Zeitraum im Raum einer Person auf dem Bildschirm bleiben.

F: Welche einzigartigen Möglichkeiten bietet die digitale Kunstplattform für Künstler wie Sie?

Die größte Chance für den digitalen Raum sehe ich im Zugang zu einem neuen Publikum. Jemand gibt vielleicht nicht Tausende für mein Gemälde aus, lädt aber vielleicht ein Bild davon herunter. Ich würde mir vorstellen, dass das manchmal sogar dazu führen kann, dass jemand rausgeht und eine physische Kopie eines Gemäldes kauft.

Es ist auch eine großartige Möglichkeit, ein Publikum zu erreichen, das traditionell nicht in Galerien geht. Kunst ist dann am erfolgreichsten, wenn Menschen darin ein wenig von sich selbst erkennen können, egal ob das ein Gefühl, eine Erfahrung, ein Gedanke oder eine Stimmung ist. Das ist nicht auf Besucher eines Kunstmuseums beschränkt. Menschen zu finden und durch Kunst mit ihnen in Kontakt zu treten, ist über eine digitale Plattform in viel größerem Maßstab möglich.

Ich liebe die Gelegenheit, ein neues Publikum zu erreichen, das Kunst zuvor vielleicht nicht geschätzt hat. Die Kunstwelt kann manchmal bewacht werden; The Frame gibt neuen Fans die Möglichkeit, darüber nachzudenken, mit der Kunst zu leben.

Besuchen Sie den Samsung Art Store in The Frame, um mehr von der Sammlung von Logan Hicks zu entdecken.