Ingres’ Porträt der Comtesse d’Haussonville in der Sammlung Frick ist eines der berühmtesten Gemälde in Amerika

Die Comtesse d’Haussonville – das Thema dieses Porträts in der Sammlung Frick – war ungewöhnlich schön. Sie war auch sich ihrer Wirkung auf andere krankhaft bewusst, vielleicht weil sie den Tod ihrer Schwester mit 14 Jahren nie verwunden hat. „Ich war dazu bestimmt“, schrieb sie später, „zu betrügen, anzuziehen, zu verführen und letztendlich Leiden zu verursachen bei allen, die ihr Glück in mir suchten.“

Louise de Broglie, wie sie damals noch hieß, war Mitte 20, als sie in Rom den großen neoklassizistischen Maler Jean-Auguste-Dominique Ingres kennenlernte. Sie verliebte sich – nicht in Ingres, der Mitte 60 war, sondern in ein Gemälde in seinem Atelier – und bat ihn, ihr Porträt zu malen. Obwohl Ingres gehofft hatte, dass seine Tage der Porträtaufträge vorbei seien, stimmte er widerstrebend zu.

De Broglie war eine kultivierte Frau von hohem gesellschaftlichem Ansehen. Sie war mit Klavier aufgewachsen, hatte Aquarelle gemalt und die Oper besucht. Später, in ihren 40ern und 50ern, schrieb sie eine Reihe von veröffentlichten Biografien – darunter zwei Bände über Lord Byron, der ihrer Großmutter nahe stand.

Diese Großmutter war keine geringere als Madame de Staël, die Schriftstellerin, politische Theoretikerin und berühmte Gesprächspartnerin, die in den Jahrzehnten vor und nach der Französischen Revolution die brillante Gesellschaft Frankreichs verkörperte.

De Broglie lebte im Schatten von Madame de Staël. Ihre Angst, nie ganz mithalten zu können, machte sie anfällig für Kritik. In ihrer unveröffentlichten Autobiografie erinnerte sie sich, dass ihr mit 9 Jahren gesagt wurde, dass ihr Charakter “nicht genug Nahrung hatte, um einen Hund zu ernähren”. Ihre eigene Mutter verglich sie mit „einer hübschen Vase ohne Henkel“.

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Diese Kritik ist offensichtlich gelandet. „Wenn Sie immer kritisiert wurden, bevor Sie sich erinnern können“, schreibt Rachel Cusk in ihrem neuen Roman „Second Place“, „wird es mehr oder weniger unmöglich, sich in der Zeit oder im Raum zu verorten, bevor die Kritik geäußert wurde.“ Cusks Erzählerin setzt auf Malerei, um sich von diesem selbstentfremdeten Zustand zu befreien: Ein großartiges Gemälde, so meint sie, kann einen Raum für unser wahres Selbst schaffen, „wenn der Rest der Zeit der Raum eingenommen wurde, weil die Kritik zuerst da war. ”

Machte Ingres, wie er de Broglie malte, einen Raum für ihr wahres Ich? Oder hatte er etwas anderes vor?

Die Porträtsitzungen begannen 1842. Die Fertigstellung des Gemäldes dauerte drei Jahre, während derer die zukünftige Comtesse ihr erstes Baby bekam. Ingres fertigte rund 80 Vorzeichnungen an.

Das fertige Werk ist überwältigend.

Es ist auch, man könnte sagen, eine enorme Lüge: eine Darstellung einer aufgeweckten jungen Frau, die ihre Anatomie verzerrt, nichts von ihrer Verletzlichkeit einfängt, die Materie ihrer Schwangerschaft und neuen Mutterschaft ausklammert, drei Jahre zu einem flüchtigen Moment komprimiert und auf die verwandelt gleichzeitig eine quirlige junge Frau in eine unveränderliche Figur von fast orakelhafter Abgeschiedenheit.

Aber mein Gott, was für eine Lüge! Der Reichtum des Porträts ist fast orchestral. Seine verblüffende Wirkung entspringt einer Spannung zwischen wuchernden materiellen Dingen (das Bild ächzt vor sinnlichen Details) und einem tiefen Unterbau abstrakter Gestaltung. Der eine Aspekt bindet uns an einen bestimmten Moment (Louise, von der Oper zu Hause, hat ihren Schal auf den Stuhl geworfen und dreht lässig den Kopf, um uns in die Augen zu sehen). Das andere erzeugt eine Atmosphäre heiliger, uralter Ruhe. Der Effekt ist das ästhetische Äquivalent zum Eintauchen von geschmolzenem Stahl in Eiswasser.

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Ingres scheint seine ganze Seele in de Broglies Satinkleid gesteckt zu haben, dessen Farbe zu ihren Augen passt. Weitere lebendige Details sind ihre blonden Wimpern, ihr schwarzes Opern-Fernglas, ein Klingelzug, der verlockend vom vertikalen Spiegelrahmen abweicht, und ein im Spiegel reflektierter Schildpatt-Haarkamm.

Dagegen deutet die reine Symmetrie ihres Gesichts himmlische Harmonien an, während ihre Figur unwahrscheinlich – verträumt – gewunden ist. Die anatomischen Tricks von Ingres werden oft erwähnt: Er legt beispielsweise de Broglies rechten Arm so schräg, dass er unmöglich mit ihrer unsichtbaren Schulter in Berührung kommen kann. Ebenso sollte der im Spiegel reflektierte Finger nicht sichtbar sein.

Wenn ein Künstler einer realistischen Darstellung eines anderen Menschen solch extreme formale Strenge auferlegt, werden Sie vielleicht anfangen, sich über die Beziehung zwischen unseren Sehnsüchten (nach Ordnung, Schönheit, Vertrauen, Beständigkeit) und der Realität (die ungenau, hässlich, unsicher und vorübergehend). Verehren wir die Kunst, weil wir die Idee eines „wahren Selbst“ pflegen, das das Durcheinander der Realität überwinden kann, in dem Glauben, dass nur die Kunst den Raum schaffen kann, in dem dieses Selbst existieren könnte?

Ich frage mich genauer, was es für Louise de Broglie bedeutete, als sie älter wurde, über Ingres und ihren eigenen starken Willen eine so reiche und makellose Version ihrer selbst geboren zu haben, die dazu bestimmt war, sie um Hunderte von Jahren zu überdauern . Hat das Bildnis sie betört und verführt, nur um sie zu leiden, wie sie einst glaubte, wegen ihrer jugendlichen Schönheit anderen zuzufügen?

Wir wissen nur, dass Louise im Alter mit Tod und körperlicher Verwesung beschäftigt war (ihr Testament verlangte nach der Frick-Kuratorin Aimee Ng, dass sie einbalsamiert wurde) und dass sie ihr das Porträt – ihr früheres Selbst als Kunst einbalsamiert – vermachte Tochter.

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